Modelo Collection
Marco Rountree Cruz, Maximiliano Rosiles, Nina Fiocco, Sofía Hinojosa, Javier M. Rodríguez, Mauricio Alejo, Josué Morales
Con motivo de la novena edición de los premios Creative X, se ha creado una colección de arte contemporáneo para celebrar desde el “Arte” la voluntad de crear. La colección incorpora obras de arte multidisciplinarias de artistas mexicanos, que incluyen ready-mades, instalaciones, escultura, video y fotografía. A través de la exposición, se invita al espectador a profundizar en un lenguaje visual que continúa dominando la cultura y relacionándose con objetos tangibles que hablan de “creación”. Cada una de las piezas dialoga con los ejes principales Estrategia, Creatividad, Bien e Integración Digital. Para empezar, las palabras escritas con laca negra sobre un globo terráqueo transmiten un mensaje contundente. El primero, presenta visualmente una ironía: una pequeña pieza de sólo 22 cm impacta al espectador con una enorme pregunta: ¿y después? Leer más
La responsabilidad de encontrar soluciones a la incertidumbre desafía la existencia. Una segunda pieza refuerza la pregunta. Esta vez sustituyendo la miniatura por una llamada a la acción evidente, grande y directa. A través del minimalismo, ambas piezas giran en torno a la necesidad de planificar, invitando a tomar conciencia sobre el futuro. Finalmente, la doble temporalidad juega un papel clave en la percepción: mientras estamos aquí, en la tierra, también tenemos que estar “allá” en una esfera inmaterial esperando que llegue el futuro.
Para continuar, un ready-made de Marco Rountree Cruz traslada la función del vaso de cerveza como recipiente a una alegre nube de objeto amado. Prestando especial atención al uso de materiales cotidianos como el vidrio y los ganchos, las piezas crean una atmósfera de ligereza y desniveles desde el techo hasta el suelo. El móvil encarna el espacio, invitando al espectador a caminar, mirar a través del cristal de las botellas vacías y centrarse no en el producto líquido, sino en la belleza del propio envase. Las etiquetas, formas, colores de vidrio y medidas de las diferentes botellas rinden homenaje al packaging.
La “idea” está en el corazón de la creación. Sin embargo, la “forma” es su posibilidad de existir en la realidad y ser vista por los demás. Hay múltiples formas en que se produce esta traducción. “Chanclas” de Maximiliano Rosiles rinde homenaje a la posibilidad de lograr una idea poderosa con bajo presupuesto, recordando que el valor va más allá del costo de cada parte.
El hombre es la medida de todas las cosas, decía Protágoras. En “Uncertain unit of Measurement”, Nina Fiocco utiliza la cuarta mano como medida definitiva. Por un lado, la pieza es un autorretrato. Cada uno tiene el suyo. Por un lado, la pieza juega con el concepto de cantidad. La repetición de la imagen, es un guiño a la idea de escala y la aparición de un solo elemento refuerza el concepto de pensar algo localmente.
¿Puede un aficionado tocar una sinfonía? En “Una melodía pertinente para la derrota final”, de Mauricio Alejo, el sonido invade todo el espacio expositivo para crear un sentimiento de anticipación en el espectador. El abanico funciona como un objeto paradójico que interpreta lo que consideramos sólo relevante para el espíritu humano, que es interpretar la música. La melodía no existe sin ella. La pieza también se basa en el antiguo arquetipo del viento, la respiración y la exhalación como energía de la creación. Por lo tanto, intenta provocar un lugar donde lo inanimado, lo animado y nuestra humanidad se encuentran y, con suerte, construyen un puente.
Para sacar lo mejor de nosotros. Pensar detenidamente en la tierra que habitamos. Actuar responsablemente.
La instalación de Sofía Hinojosa llama la atención sobre dos elementos a través del uso del Color. Por un lado, con el azul, el artista explora el significado simbólico del agua, elemento vital de nuestras vidas. La investigación profundiza en diferentes “Tipos de Agua”: la que bebemos, donde nadamos, las lágrimas que lloramos, la lluvia. La instalación realizada por Hinojosa con mosaicos venecianos, llaves de agua, incorpora las palabras y las formas abstractas para pensar poéticamente el agua. Por otro lado, el muro verde confronta la idea de naturaleza y de lo natural con la de plástico y falsedad. ¿El jardín del paraíso está hecho de plástico? -Pregunta el artista.
Finalmente, la exposición hace una oda al crecimiento constante de la integración de lo digital en nuestras sociedades. Para ello, dos piezas de Javier M. Rodríguez.
Este proyecto es una investigación en torno a la Imagen en Movimiento y el lenguaje cinematográfico, más precisamente en la forma Documental. Durante los últimos años M. Rodríguez ha producido una serie de videoinstalaciones que acercan el vídeo al plano escultórico y se proponen como un “Documental Minimal”. A través de la traducción y con proyecciones de vídeo, objetos cotidianos ocupan el espacio expositivo y adquieren una voz que es luz, tiempo y memoria. Preguntarnos si es posible escuchar al mundo, a los objetos, a las cosas. Este proyecto es una investigación en torno a la Imagen en Movimiento y el lenguaje cinematográfico, más precisamente en la forma Documental. Durante los últimos años M. Rodríguez ha producido una serie de videoinstalaciones que acercan el vídeo al plano escultórico y se proponen como un “Documental Minimal”. A través de la traducción y con proyecciones de vídeo, objetos cotidianos ocupan el espacio expositivo y adquieren una voz que es luz, tiempo y memoria. Preguntarnos si es posible escuchar al mundo, a los objetos, a las cosas.
Josué Morales
¿Y luego qué?
2018.
Globe intervened with acrylic paint
41 x 33 x 34 cm.
$700 -2500 usd
Josué Morales
¿Y después?
2020.
Globe intervened with lacquer and acrylic paint.
22 x 15 x 15 cm
$700 -2500 usd
Marco Rountre Cruz
2023. Sin Título.
2023.
(Hooks and models) wire glass. Variable measures.
$6,500 usd
*This piece belongs to Modelo Art Collection
Maximiliano Rosiles
El Chancletazo
2020.
Sandals.
152 x 127 x 25 cm.
$2,500 usd
Nina Fiocco
Unidad de medida incierta
2023.
Variable measures.
Ed. 5 + PA.
$2,000 usd
Mauricio Alejo
Una melodía pertinente para la derrota final
2023
Installation, fan, plastic flutes, wood table. 100 x 40 x 65 cm.
$10,000 usd
Sofia Hinojosa
Sofia Hinojosa
Tipos de agua
2023.
Venetian mosaic.
Variable measures.
$2,500 usd
Sofia Hinojosa
Cuentagotas
2022.
Water keys, venetian mosaic, nylon thread, variable measurements
Variable measures.
$2,500 usd
Sofia Hinojosa
Jardin vertical (2)
¿El jardín del paraíso es de plástico?
$ 2,500 usd.
*This piece belongs to the Modelo Art Collection
Sofia Hinojosa
Jardín, jardín (Archivero 2)
2022.
File keeper intervened with plastic plants and acrylic paint on paper.
40 x 38 x 7 cm.
$1,500 usd
Sofia Hinojosa
Jardin vertical (2)
¿El jardín del paraíso es de plástico?
$ 2,500 usd.
*This piece belongs to the Modelo Art Collection
Sofia Hinojosa
Jardín, jardín (Archivero 2)
2022.
File keeper intervened with plastic plants and acrylic paint on paper.
40 x 38 x 7 cm.
$1,500 usd
Javier M. Rodríguez
Napoleón y Lincoln
2019. Full HD projection on metal door. Video; H.264, 1920 x 1080px.
5:49 min loop. / Metal door and enamel paint.
108.5 x 210 x 4 cm.
Ed. 1/2 + PA
$7,000 USD
Javier M. Rodríguez
Camarena 25
2019. Full HD videoinstallation on window. Video; H.264, 1920 x 1080px. 5:52 min loop.
Metal window, textured glass, enamel painting and Full HD display.
63.5 x 110.5 x 5 cm.
Ed. 1/2 + PA
Artistas
Josué Morales
Mexico, 1987
Josué Morales Bernal es licenciado en Artes Plásticas y Visuales y especializado en Museografía.
Trabaja principalmente con las disciplinas de escultura, instalación y fotografía. Sus intereses artísticos giran en torno a la vulnerabilidad humana, la naturaleza, las emociones, los intereses externos y la clase política. Con el uso de la ironía, las piezas de Josué Morales toman referencias de su vida en una realidad globalizada, la cultura televisiva, la música, la historia y la literatura.
Su primera exposición individual fue “L.A.M.B. La adoración de la oveja mística” en 2011 para Fotoseptembre en Casa Frissac. Ha participado en exposiciones colectivas como Artificial Infernos 2015 en el Museo Universitario del Chopo. Fue seleccionado en el “Salón ACME No. 5”. Su obra ha sido expuesta en Los Ángeles en espacios independientes. Su segunda exposición individual “Caminamos más rápido cuando caminamos solos” en 2018 fue presentada en Carta Blanca, Espacio Independiente. “Hijo de la nada” su tercera exposición individual en 2019 fue presentada en Casa X. Su trabajo reciente ha sido presentado por La Nao y Galería L.
Marco Rountre Cruz
Mexico, 1982
Artista visual, define su práctica como la experimentación libre del dibujo sobre cualquier material. A través del dibujo, el collage, la pintura, la escultura, la instalación, el video y las intervenciones en el espacio arquitectónico, Rountree explora el concepto de ornamento, particularmente en la resignificación de los objetos cotidianos a través de su manipulación y representación.
Marco Rountree ha realizado varias exposiciones individuales en México y el extranjero como “HIPOCAMPO”, Museo Aniversario del Chopo, Ciudad de México, MX (2020), “Escuela de Ciencias y Artesanías del Volcán Xitle” Museo Anahuacalli, Ciudad de México, MX (2019) , “Sin Título”, Museo de Arte Querétaro, Querétaro, MX (2010); exposiciones colectivas: Museo Tamayo (2020), UDEM, Monterrey, MX (2018), PROXYCO, Nueva York, US (2017), Museo de Arte Moderno, CDMX, MX (2012), 2da Trienal Poligráfica, San Juan, PR (2009 ), Fundación Jumex, CDMX, MX (2012, 2009, 2008); proyecto permanente: Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, MX (desde 2011) y participó de la XIV Bienal Femsa, en Morelia, MX (2020).
Sofia Hinojosa
Mexico, 1992
Estudió arte en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su obra oscila entre imágenes y textos. Ha expuesto individualmente en la Ciudad de México en Salón Silicón y en Tabasco 258. Su obra también ha sido parte de exposiciones colectivas en la Ciudad de México, Monterrey, Culiacán, Oaxaca, San Diego y Viena. Formó parte del colectivo “Operación Hormiga” (2015-2019). Durante 2021 realizó una intervención al sitio web de poesía de Casa del Lago UNAM con su obra “Frágil”. Ha sido becada con el programa FONCA Jóvenes Creadores 2018-2019. Su obra ha sido incluida en la Colección Jumex de Arte Contemporáneo y en la Colección Familia Servais, entre otras.
Maximiliano Rosiles
Guanajuato, Mexico, 1992.
Maximiliano Rosiles es un artista visual interdisciplinario, nacido en Guanajuato, México. A temprana edad su familia sufrió una separación que lo llevó a cruzar la frontera entre Estados Unidos y México y migrar a Harlingen, Texas con su madre. Pasó sus años de formación yendo y viniendo constantemente entre las ciudades fronterizas del sur de Texas y Guanajuato, México. Su práctica artística es un intento de reconectarse con su herencia mexicana mientras considera las complejidades inherentes a la hibridación cultural de su identidad no alineada. Este sincretismo se encuentra en medio de un espacio liminal inmerso en un intercambio transcultural entre Estados Unidos y México. Utiliza esculturas, instalaciones, performances y obras basadas en el tiempo para registrar su investigación cultural y fomentar una conexión con su herencia que fue interrumpida por su experiencia migratoria mientras disecciona sus identidades en un intento de experimentar un proceso que le gusta llamar “asimilación inversa”. ”. Esto se ha manifestado en historias culturales, relatos personales y comentarios sociales sobre temas que ha presenciado, experimentado o encontrado a través de investigaciones. Las historias y los temas que captura son a menudo aquellos que se pasan por alto o infravalorados, o aquellos de los que no se habla, por lo que viven en la periferia de la sociedad. Busca narrativas que se encuentran en el inconsciente colectivo de la experiencia mexicano-estadounidense. Los temas que se encuentran a menudo en su trabajo incluyen la inmigración, la aculturación, el desplazamiento, Nepantla, la violencia, la familia, la religión y la tradición cultural.
Mauricio Alejo
Mexico, 1969
Anclados en el mundo real, sus imágenes, vídeos e instalaciones exploran la constitución evanescente de la realidad y sus intercambios con la noción del mundo como imagen. Su práctica toma como materia prima fuerzas físicas primordiales como la gravedad y la luz para considerar el carácter ilusorio de la imagen a partir de la experiencia fenoménica y señalar la participación que tienen los objetos como agentes en la construcción de lo real. Alejo ha realizado varias exposiciones individuales en Nueva York, Japón, Madrid, París y México. Su exposición individual más reciente tuvo lugar en el Centro de la Imagen de la CDMX y resume la exploración estética que ha desarrollado durante la última década de su producción. Su trabajo también se ha presentado en lugares como el CCA Wattis Institute of Contemporary Art, San Francisco; Museo de Arte de las Américas, Washington; Centro Nacional de Arte Contemporáneo, Ekaterimburgo, Rusia; 8 Bienal de La Habana y Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Nina Fiocco
Feltre, Italia, 1992.
Artista, curador y gestor cultural: estos diferentes roles permiten a Fiocco dar lugar a proyectos colectivos y prácticas artísticas. Su trabajo adopta el trabajo de campo y la colaboración como base de una práctica a menudo vinculada a la historia, la microhistoria y las economías alternativas a través del uso de imágenes, textos y lecturas. En la encrucijada de la narrativa, el ensayo y la poesía, ha escrito para revistas, exposiciones, performances suyas y de otros artistas, así como para catálogos de artistas. Desde 2019 codirige junto a Oscar Formacio el espacio independiente ERROR en Puebla y CDMX. Junto a Ana Gallardo coordina el programa educativo IMÁN. Desde 2016 colabora constantemente con el Museo Amparo, impartiendo varios programas públicos de arte contemporáneo. En 2022 comisarió «Error» Cauces. Una curaduría en movimiento” (patrocinado por PAC y Fundación Jumex), el ciclo de residencias “Lingue sorelle” una colaboración entre Error y IIC Messico, y la exposición colectiva “Working Tongues” del 12 al 14 en Viena (AU). Profesora de la Licenciatura en Arte Contemporáneo de la Universidad Ibero (MX), su obra ha sido expuesta en museos, festivales y galerías de diferentes países.
Javier M. Rodriguez
Guadalajara, Mexico, 1980.
Considerar la imagen-movimiento como lenguaje por un lado, y lo cinematográfico como forma de pensar, ha permitido a Javier M. Rodríguez desarrollar una obra bajo el concepto de cine expandido. Rodríguez materializa a través de traducciones la narrativa cinematográfica en escultura, pintura o videoinstalación. Su obra puede entenderse como una serie de estudios formales para repensar el orden del tiempo.
Rodríguez se centra en la espacialidad y tridimensionalidad de la pantalla, abandonando la ficción y evitando narrativas lineales mientras trabaja fuera de la sala de vídeo. En este escenario, lo cinematográfico está anclado a la materia y sus videoinstalaciones apuntan a la realidad a través de objetos y estructuras site-specific que esperan ser activados por el cuerpo y el movimiento de los espectadores.
Sus exposiciones individuales incluyen: Darkness at Noon, Proxyco Gallery, NY (2019); EN T. MUESTRA – DÍA, Arredondo/Arozarena, Ciudad de México (2018); Wide (los personajes abandonan la escena), Casa Taller José Clemente Orozco, Guadalajara (2016); La terquedad de las cosas, Museo Experimental El Eco, Ciudad de México (2015); Nada más que horas, Museo de Arte de Zapopan (2013); [AGOSTO, 10.2013 – OCTUBRE, 04.2013], Galería Curro (2013).
En dos ocasiones ha sido galardonado con la beca FONCA – Jóvenes Creadores en 2009 y 2012. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores FONCA.
